15 grandes películas sobre relaciones fallidas

Después de hacer rondas en VoD durante algunas semanas, donde muchos de ustedes lo habrán visto, Sarah Polley‘S“Tomar este vals'Comienza a lanzarse en los cines a partir de mañana, y no podemos recomendarlo lo suficiente; es una película desordenada, a veces frustrante, pero profundamente sentida, bellamente hecha y maravillosamente actuada, y la semana pasada la nombramos como una de las mejores del año hasta ahora. Sin embargo, no se recomienda como una película de citas, que se ajusta a una larga tradición cinematográfica de exámenes dolorosos de relaciones rotas, en descomposición, colapsadas o muertas.



Después de todo, es una de las experiencias humanas más universales; a menos que tengas mucha suerte, todos los que se enamoren en algún momento tendrán la experiencia desgarradora de caerse de él o de no enamorarse de él. Y cuando se hace mejor en la película, puede ser un hematoma y un límite tortuoso para un cineasta y un público, pero también catártico y curativo. Para marcar la apertura de 'Take This Waltz' (y nuevamente, no podemos enfatizar lo suficiente como para que veas y veas), hemos reunido una selección de nuestras películas favoritas que giran en torno al final de las relaciones amorosas, las relaciones y matrimonios Por supuesto, es una selección subjetiva y algo aleatoria, y ciertamente no es definitiva, por lo que si nos hemos perdido su favorito, puede expresar su artículo en la sección de comentarios a continuación.

“5×2” (2003)
El concepto de contar una historia al revés no es, en este momento, audazmente original; Harold Pinter lo había hecho con 'Traición'Hace décadas, y Francois Ozon‘S“5×2', Que al igual que la obra de Pinter muestra la disolución de una relación a lo largo de los años, comenzando al final y retomando en la primera reunión, seguida inmediatamente después de ambas Christopher Nolan‘S“Recuerdo'Y Gaspar Noe‘S“Irreversible. ”Pero la pieza de Ozon se define no solo por su estrecho formalismo, como podría sugerir el título, 5 escenas autocontenidas de aproximadamente la misma longitud, sino por lo que no muestra, lo que está ausente en los intervalos de meses y años que no veo Comenzando con la audiencia de divorcio de Gilles (Stéphane Freiss) y Marion (Valeria Bruni-Tedeschi), después de lo cual van a un hotel para una cogida final, rastreamos a través de una cena que muestra su relación en sus fracturas finales, el nacimiento de su hijo, su noche de bodas y su primera reunión, cada uno esbozado con el La excelente habilidad del director de decir mucho con un poco, y nunca sentirse engañoso en su estructura. Es una película sombría, sin duda, como con Noe’s, la 'felicidad' del final / comienzo se ve socavada por lo que hemos visto venir antes / después. Pero también hay una especificidad y una compasión por la relación en cuestión; nadie tiene la culpa más que el otro, y se siente más que son dos personas que simplemente nunca tuvieron la intención de estar juntos. Es una de las películas más incisivas y poderosas sobre el matrimonio en la memoria reciente, y merece estar sentada junto a Bergman, Fassbinder, Nichols et al.



“; Una mujer soltera ”; (1978)
Menos la representación de una relación desmoronada, como la mayoría de las películas de esta pieza, que un retrato de lo que sucede después. Algo de un gran avance para Paul Mazursky, uno de los talentos más subestimados del cine estadounidense (el hombre detrás de 'Bob y Carol y Ted y Alice,” “Abajo y afuera en Beverly Hills'Y'Enemigos: una historia de amor,' entre otros). Es una configuración bastante simple; la acomodada neoyorquina Erica (Jill Clayburgh) piensa que ella tiene la vida perfecta, lo que rápidamente implosiona cuando su esposo (Michael Murphy) le dice que está enamorado de otra mujer. Se divorcia, entra en terapia, comienza a sumergir los pies en la escena de las citas y finalmente se enamora de un artista británicoAlan Bates) Los aspectos de la película se sienten un poco anticuados en este punto, no menos importante. Bill Conti 's puntaje, pero Mazursky trata todo con un toque ligero sin sacrificar nunca la integridad del personaje, y crea algo cercano a un equivalente contemporáneo a las 'imágenes de mujeres' de la década de 1940. Mazursky siempre escribió bien para las mujeres, como queda claro en las escenas con Erica y sus amigas, que son directas y divertidas, un claro precursor de algo como 'Sexo y la ciudad', Pero Erica podría ser su mejor creación, un personaje complejo y en constante evolución, y Clayburgh (que lamentablemente falleció en 2010, después de haber completado un cameo maravilloso en'Damas de honor'), En su mejor desempeño profesional, hace que cada centímetro de su transformación se convierta no solo en una mujer' soltera ', sino en una mujer independiente, creíble y convincente; uno no puede evitar sentir que estaba un poco engañada cuando Jane Fonda ganarle al Oscar por 'Regresando a casa”(La película y el guión también fueron nominados). Dice algo sobre la falta de progresión en Hollywood que una parte como esta todavía se siente como una rareza.



bill burr snl

'Blue Valentine' (2010)
En una de las decisiones más sobre rascarse la cabeza dictadas por la MPAA, Derek CianfranceLa brutal mirada de rsquo; a una relación que se disuelve se vio afectada con la temida calificación NC-17 para una escena que involucra cunnilingus (un no-no de larga data para la organización, ver “;Los niños no lloran”;). Con la clasificación R restaurada, la imagen se podía abrir libremente en los cines, un estreno que tardó mucho en llegar y que reforzó inmensamente la reputación de Michelle Williams y Ryan Gosling. Mientras que el primero recibió una nominación al Premio de la Academia, el segundo fue inexplicablemente excluido, pero no se preocupe, y ldquo;San Valentín azul”; no es una imagen impulsada por los premios, sino que opta por un registro emocionalmente agitado, complejo y naturalista de esposos que luchan por reavivar una pasión que los ha eludido trágicamente. Cortando entre el pasado juvenil de la promesa y la posibilidad y un presente aplastante donde incluso el aire se siente reacio a entrometerse en algunas de las conversaciones, Cianfrance deja al descubierto todas las cosas que las personas eligen no hablar hasta que le ruegas que se detenga. Williams y Gosling son inolvidables y “; Blue Valentine ”; Una historia simple magistralmente contada.

“; Conocimiento carnal ”; (1971)
Curiosamente, 'Conocimiento carnal'Se comercializó como una comedia tras su lanzamiento, pero para este escritor es más un drama incisivo de luchas modernas con el sexo, las relaciones y la mayoría de edad del cínico y director romántico residente Mike Nichols. La película sigue a un par de compañeros de cuarto de la universidad, Jonathan y Sandy (Jack Nicholson y Art Garfunkel), quienes juntos se obsesionan con sus diversas desventuras sexuales y eventuales conquistas. Sandy persigue a la aparentemente pura Susan (Candice Bergman) - quien Jonathan secretamente y simultáneamente data y se acuesta (primero no menos). Después de la universidad, se van por caminos separados, pero mientras Sandy se casa con Susan, Jonathan persigue todo con una falda, acuesta a una docena de chicas al año, pero aún no puede encontrar su ideal físico (romper los pequeños violines) hasta que conoce a Bobbie (Ann-Margaret) quién es todo T-and-A todo el tiempo. Su pasión se desvanece en explosiones dramáticas (él grita, ella llora) que terminan en una sobredosis y un divorcio. A medida que crecen, Sandy y Jonathan se desilusionan cada vez más por el sexo opuesto, pero mientras Jonathan está enojado, Sandy simplemente cae en la complacencia y la indiferencia. Aunque las discusiones francas sobre el sexo y las representaciones del sexo (un condón en la pantalla, quelle horreur), ahora no son tan impactantes como en la década de 1970, la detestabilidad y la misoginia descarada de los personajes siguen siendo tan inquietantes como siempre. Jack Nicholson es la estrella destacada y Nichols, para su crédito, reina la maldad en (algo) y evita que la actuación sea una caricatura. El 'conocimiento carnal' sigue siendo un retrato intemporal y emocionalmente resonante del lado más feo de la psique sexual masculina.

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'Gato en un techo de chapa caliente' (1958)
Podría estar un poco abrumado por las demandas de censura en su adaptación para la pantalla (estrella Paul Newman y escritor Tennessee Williams criticó los cambios en la versión de la película), pero 'Gato en un techo de chapa caliente'Sigue siendo una de las mejores representaciones de una relación infeliz de un escritor especializado en tales cosas. En un par de actuaciones electrizantes, Paul Newman y Elizabeth Taylor interpretan a Brick Pollitt y su esposa, Maggie 'the Cat'. Él es una ex estrella de atletismo alcohólica que pasa su tiempo emborrachándose, ella está frustrada y bromeando. Visitando la casa de Brick en Mississippi por su padre, Big Daddy (Burl Ives), el cumpleaños de Papa Pollitt se está muriendo, y que Brick se retiró a su borrachera después del suicidio de su mejor amigo, de quien aparentemente estaba enamorado (aunque hay que leer un poco más entre líneas en el versión cinematográfica). Se abre con menos éxito que algunas de las otras adaptaciones Williams de pantalla grande ('Un tranvía llamado deseo'Siendo la marca de agua obviamente más alta), pero siempre subestimado helmer Richard Brooks de lo contrario, hace un gran trabajo al modular el tono y el tempo, y las tres actuaciones centrales (más Judith Anderson como 'Big Momma') son atronadores y particularmente impresionantes dado que el esposo de Taylor Mike Todd murió en un accidente aéreo, en un vuelo en el que ella también debía estar, a mitad del rodaje.

'Amor loco' (2007)
Es la mejor historia de amor … Una especie de … Este documental de 2007, dirigido por Y Klores y entusiasta de los robots Fisher Stevens, cuenta la historia del sórdido abogado de Nueva York Burt Pugach y su esposa Linda Riss. Los dos se enamoraron, pero después de que Riss descubriera que Pugach tenía esposa e hijo, ella lo dejó. No lo tomó a la ligera. Después de amenazarla con daños corporales (o muerte) si lo dejaba, Pugach contrató a un par de matones del inframundo para que le arrojaran lejía en la cara, cegándola en un ojo y cicatrizándola permanentemente. Pugach fue sentenciado a quince años de prisión. Todo el tiempo escribió continuamente a Riss, y tras su liberación los dos volvieron a salir y esta vez se casaron. Es como la historia de dos caras de 'El caballero oscuro, ”Hecho en un retorcido estilo de comedia romántica. Tan jodido como pueda sonar el romance en el corazón de 'Crazy Love', también es extrañamente inspirador, de la manera más extraña posible. Es un testimonio del poder duradero del amor (y el perdón) y las formas en que las relaciones pueden transformarse y revelarse. El ambiente dorado se disipa un poco cuando te das cuenta de que Pugach fue acusado más tarde de amenazar a otra mujer con la que estaba teniendo una aventura. Aún así, fue divertido mientras duró, y el documental, bordado con una energía cursi y kitsch (elaborado y refinado, años más tarde, por Errol Morris en 'Tabloide'), Te arrastra en su singular sentimiento de borracho de amor.

“;Adios otra vez”; (1961)
Protagonista Ingrid Bergman, Cantante francés convertido en actor Yves Montandy post- 'Psicópata'Éxito Anthony Perkins, Cineasta ucraniano Anatole Litvakrsquo; s 'Adios otra vez'Y su difícil triángulo amoroso deben haber sido bastante controvertidos en su día. Centrándose en una pareja relativamente feliz de 40 y tantos años, Paula (Bergman), una exitosa decoradora de interiores parisina, y Roger (Montand), un ejecutivo de negocios próspero, su relación sigue siendo muy poco convencional: ambos están divorciados y amargados por el concepto de matrimonio. y, sin embargo, los dos están muy comprometidos. Bueno, hasta cierto punto. El despiadado Roger todavía se involucra abiertamente en aventuras 'sin sentido' con cosas más jóvenes y bonitas, pero Paula acepta que esto es solo 'a su manera'. Pero la naturaleza del amor y su relación floja y conveniente con Roger comienza a transformarse cuando el hijo de uno de los clientes adinerados de Paula ’; un joven pretendiente de 25 años llamado Philip (Perkins) comienza a brillar a Paula, apreciándola en una luz de adoración que se da cuenta de que no ha sentido en años. Mientras tanto, las citas abiertas de Roger comienzan a transformarse en mentiras cuando una joven tarta francesa (Michèle Mercier) lo convence de llevársela durante varios fines de semana, los preciosos momentos especiales de Roger y Paula. Esto deja la puerta abierta para que Phillip, románticamente insensible y enamorado, intente dar lo mejor de sí en Paula, cada vez más infeliz y solitaria. Con el tiempo, Paula, desgastada y confundida, cede ante los implacables avances de Phillip y deja a Roger, que ahora se da cuenta de que el calor ha desgastado a su novia y que todo lo que queda es un niño molesto y exigente. Sin embargo, atormentados por la conexión especial que tienen, Paula y Roger finalmente reconocen su error, reuniéndose y dejando a Perkins, quien ganó el premio al Mejor Actor en el Festival de cine de Cannes por su retrato animado y apasionado, en el polvo. En última instancia, más de un melodrama superficial en comparación con algunos de los cortadores en esta lista, 'Goodbye Again', sigue siendo una pequeña película decente y una historia de advertencia memorable sobre dar por sentado el amor.

“; Maridos y esposas ”; (1992)
Si 'Maridos y esposas'Tiene una moraleja, es que el matrimonio no es el felices para siempre, solo el' después '. Es el elenco habitual de Allen de individuos que viven en el Upper East Side y de un montón de neurosis que hablan sobre las relaciones. La película sigue a dos parejas casadas y mejores amigos: Gabe y Judy (Woody Allen y Mia Farrow) y Jack y Sally (Sydney Pollack y Judy Davis) - estos últimos han decidido amablemente separarse, o al menos dicen que es amigable. Jack y Sally prueban el grupo de citas y los límites de su propia independencia y dependencia mutua. Mientras tanto, Gabe y Judy encuentran que la base de su relación se hizo añicos, ya que Gabe se siente atraído por un joven estudiante precoz (Juliette Lewis) y Judy desarrolla sentimientos por un hombre en su oficina (Liam Neeson) Todo el conjunto se desempeña de manera brillante, en particular Davis como la brillante y súper neurótica Sally, quien fue nominada para un Oscar al mejor apoyo por su excelente papel en la película (Woody también fue nominado por su escritura). La película, filmada en estilo documental con aparentemente pocas luces y efectos para cosas bonitas, no hace nada para quererte con los personajes 'feos', pero estéticamente es un movimiento muy inspirado, un soplo de aire fresco y un disparo B-12 al Energía creativa de la película. El diálogo, como siempre, está en punto, y aligera la pesadez de ver decaer las relaciones cuando las personas dentro de ellas se niegan a cambiar.

“; Kramer vs. Kramer y rdquo; (1979)
A pesar de que ahora está un poco anticuado, lo que hace Robert Benton’; s “;Kramer vs. Kramer”; Todavía esencial para este día es cuán expertamente capta la emoción nerviosa que el divorcio y el desplazamiento entre dos personas muestran. La historia se ve principalmente a través de los ojos de Ted Kramer (Dustin Hoffman, en una de sus mejores y más impactantes actuaciones) un publicista exitoso en el camino, que llega a casa un día para descubrir que su esposa, Joanna, emocionalmente inestable (Meryl Streep, también excelente) lo está dejando para encontrarse a sí misma. Además, ella lo deja a cargo de su pequeño hijo Billy (Justin Henry) Sin nada más que hacer que enfrentar la nueva vida que tiene por delante, Ted sigue adelante, haciendo todo lo posible para ser un padre soltero modelo mientras se enfrenta a las consecuencias emocionales de su divorcio (vea la memorable secuencia de tostadas francesas de la película). Y su devoción por su hijo es indudablemente incierta (la escena en la que lleva a Billy al hospital después de una caída en el patio de recreo y le habla sobre cómo obtener puntos es una ilustración conmovedora de su vínculo). Pero el mundo de Ted y rsquo; es sacudido nuevamente cuando Joanna regresa más de un año después de California, y busca la custodia de su hijo. Lo que emerge es una batalla absolutamente fea en la corte, donde ambos son despiadados por abogados, con todos los matices y elecciones hechas por Ted y Joanna, entregados, examinados y desproporcionados, lo que resulta en que el caso no deje a nadie feliz. Si bien el sistema judicial ha avanzado desde entonces, ¿qué? ¿Kramer vs. Kramer y rdquo; se vuelve tan correcto y real son las distancias paradójicas que dos personas pueden llegar a lastimarse mutuamente, aunque en el fondo también se cuidan mutuamente. Si bien el guión se equivoca quizás al hacer que Joanna parezca demasiado villana a veces, estos momentos son reemplazados por muchos más que capturan la estela de sentimientos heridos y complicados que quedan después de una ruptura. “; Kramer vs. Kramer y rdquo; es un maravilloso retrato del dolor y la curación que comprende con razón que incluso el divorcio y las amargas disputas no siempre pueden desatar por completo la conexión que una pareja pudo haber tenido antes. Y los últimos y conmovedores momentos finales de la película logran ese sentimiento perfecto.

“Martha” (1974)
Un drama sirkiano de infelicidad doméstica: el personaje principal incluso dice 'Douglas Circus Road ”, como su dirección en un momento dado, como muchos melodramas de Fassbinder,“ Martha ”coloca a la mujer titular naif en una situación de angustia emocional y luego nos hace mirar, retorciéndose impotente, mientras la atraviesan por crisis crecientes y desencantada, prácticamente brutalizada, de todas las nociones románticas. Una película que podría haber sido titulada sarcásticamente 'La buena esposa', El melodrama se centra en Martha (Margit Carstensen) que pasa de una mala situación a otra, y podría decirse que es un estudio sombrío tanto en la crueldad como en la capacidad de sumisión humana. Mientras estaba de vacaciones con ella en Italia, el padre controlador de Martha de repente muere de un ataque al corazón y se ve obligada a regresar a su hogar en Alemania y cuidar a su madre: una solterona alcohólica y una humana grotesca y repugnante en todos los niveles que intenta suicidarse. sobredosis de píldoras cada vez que Martha intenta hacer algo en contra de sus deseos. La liberación aparentemente viene en forma de Helmut (‘ 70s Fassbinder regular Karlheinz Böhm obtener un giro jugoso), un caballero guapo y rico que quiere casarse con ella y alejarla. Todo suena bien y bien hasta que Helmut revela sus verdaderos colores como un sociópata sádico y dominante. Hemos visto esta historia innumerables veces en Hollywood, generalmente protagonizada por B-thrillers. Tom Berenger o Patrick Bergin - pero la película de televisión de 16 mm de Fassbinder no es una porción de entretenimiento nocturno; Es un ejercicio de castigo mientras Martha continúa sangrando psicológicamente a manos de su abusivo y tiránico imbécil de marido. Finalmente, su humillante capitulación se convierte en paranoia y luego en un trastorno cercano que termina trágicamente. No siempre es fácil de ver, pero es una crónica crónica del abuso doméstico a través de la versión amplificada de Fassbinder y del melodrama de Hollywood de los años 50.

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'Romance moderno' (1980)
Puede ser una comedia, y puede tener un final en el que la pareja central termine junta, pero 'Romance moderno'Es tan contundente como algunas de las otras películas de esta lista. Albert Brooks‘Seguimiento de su debut como director de 1979'Vida real'(Una vez más coescrito con Monica Johnson), esto muestra la obra cómica Robert Cole, un editor de películas que intenta desesperadamente terminar una terrible película de ciencia ficción mientras se separa constantemente y vuelve a estar con su novia Mary Harvard (Kathryn Harrold) Él no puede vivir con ella, los dos se vuelven locos, pero tampoco puede vivir sin ella, saliendo como un drogadicto volviéndose loco a las pocas horas de terminar, antes de obsesionarse con la posibilidad de que ella esté con otros. hombres. Es una de las relaciones más venenosas del cine, y hay una admirable y completa falta de vanidad en ambas actuaciones centrales (es una pena que Harrold no haya conseguido un mejor trabajo después de esto), incluso si se cuenta con firmeza desde el punto de vista masculino. Brooks estaba creciendo como director y como intérprete; hay un control impresionante y claridad en el encuadre, y la película dura 90 minutos, sin complicaciones, sin demorar su bienvenida. Curiosamente, en realidad era un favorito de Stanley Kubrick, quien llamó a Brooks después de su lanzamiento y le preguntó al escritor / director “¿Cómo hiciste esta película? Siempre quise hacer una película sobre los celos '. Y si eso no es una recomendación, no sabemos qué es.

“; Escenas de un matrimonio ”; (1973)
Originalmente filmado para la televisión sueca, con una duración de casi cinco horas, Ingmar BergmanLa exploración de un matrimonio en desintegración que se desintegra lentamente y luego implosiona con el tiempo es uno de los esfuerzos más dolorosamente claustrofóbicos y devastadores de la era posterior, y tal vez podría articular la imagen demasiado bien: el autor se casó cinco veces y engendró nueve hijos (uno de ellos fue Liv Ullmann’; s, pero el director y su actriz habitual nunca se casaron). Protagonizada por Ullmann, naturalmente, (su hijo había nacido siete años antes) y el difunto Erland Josephson (un habitual de Bergman que también protagonizó Tarkovsky ’; s “;El sacrificio”;), y ldquo;Escenas de un matrimonio”; rastrea el matrimonio desmoronado de la pareja durante algunos años con algunos hitos dolorosos en el camino que incluyen un aborto, asuntos extramatrimoniales, divorcios, otros matrimonios y un intento angustioso y fallido de reconciliación. Originalmente transmitido en seis partes en la televisión sueca, el drama penetrante y poco sentimental presenta un estilo cinematográfico naturalista e hiperrealista lleno de primeros planos encarceladores e insoportables que no se rinden y monólogos amargos e inmisericordes (uno se estremece pensando en ser casado con Bergman). También con apariciones de Bibi Andersson y Jan Malmsjö, cuando la serie llegó a los EE. UU., se cortó para un estreno teatral de casi tres horas, donde ganó varios aplausos, incluida una nominación al Globo de Oro por Ullmann y un guiño a la Mejor Película en Lengua Extranjera. 30 años después, Bergman lanzaría nuevamente la improbable secuela con la misma pareja, ahora en sus 70 años, llamada “;Zarabanda, y rdquo; pero no poseería la misma mordida cruel ni la punción trágica de dos amantes que intentan reparar vallas, pero al darse cuenta de que el daño ya está hecho. Hacer que los temas de abandono, soledad, miedo y arrepentimiento sean demasiado reales, es raro que una relación en pantalla que se derrumba sea tan inquietante.

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'El calamar y la ballena' (2005)
Los pecados del padre son revisitados sobre el hijo en Noah BaumbachEl resurgimiento inquietante, conmovedor y genuinamente divertido de rsquo; que viene ocho años después de 1997 y rsquo; s agradable pero inmemorable “;Los celos, y rdquo; “;El calamar y la ballena”; sirve como una marca de agua alta para Jeff Daniels, aquí retratando a un intelectual rígido y congestionado que se aferra a la grandeza hecha a sí misma hasta que el mundo se rinde bajo sus pies ya inestables. Bernard Berkman, satisfecho de su carrera anteriormente desvanecida rápidamente en el retrovisor, está satisfecho de socavar su esposa y rsquo; s (Laura Linney, excelente como siempre) éxito mientras que sus dos hijos, Walt (Jesse Eisenberg) y Frank (Owen Kline), absorbe el drama y platija sin guía. Hay tanto en la película que centrarse en el matrimonio destrozado se siente como un mal servicio, ya que Baumbach logra un acto de equilibrio tierno, sin perder nunca de vista el dolor que late en el corazón de la película, pero conoce muy bien la alegría imperfecta de reírse de las acciones obstinadas, hirientes, amorosas y equivocadas que visitamos el uno al otro. Daniels es excelente, relatando secamente a Walt que despidió a su antiguo agente (y probablemente sufriente) porque este último “; hizo un comentario despectivo sobre los Knicks en una fiesta. ”; Sus escenas con Linney se encuentran entre las mejores de la película, discretas y marcadas por el anhelo entre los dos cónyuges, de pie en lados opuestos de un abismo que es poco probable que se repare.

'La guerra de las rosas' (1989)
Es justo decir que la mayoría de las películas en esta lista, películas que tratan sobre relaciones y matrimonios rotos o moribundos, no son comedias de estudio de gran presupuesto que resultaron ser grandes éxitos. Pero, de nuevo, la mayoría de las comedias de estudio de gran presupuesto no son como Danny DeVito‘S“La guerra de las rosas, ”Una comedia negra tan gloriosamente desagradable como ha sido financiada por una gran corporación. Usando un dispositivo de encuadre algo innecesario, el abogado Gavin (DeVito) le dice a un cliente (unSimpsonsY castellaneta!) sobre Oliver y Barbara Rose (Michael Douglas y Kathleen Turner), una pareja casada que alguna vez fue feliz y feliz, a medida que se hicieron cada vez más ricos, aprendieron a detestarse mutuamente. Las cosas finalmente llegan a un punto crítico cuando Barbara se siente aliviada cuando cree que Oliver está teniendo un ataque cardíaco, y aceptan divorciarse, pero eso es solo el comienzo de una guerra de desgaste cada vez más intensa que finalmente tendrá consecuencias fatales. DeVito inteligentemente mantiene a otras partes fuera de él, enfocándose completamente en dos personas que simplemente se odian, pero las desagradables, Roald DahlEl tono ishish se mantiene en curso por las emociones identificables en juego; cualquiera que haya visto, o haya sido parte de un matrimonio que se derrumba, reconocerá lo que está sucediendo, a pesar de la gran sensación de todo. De hecho, DeVito le da a cada momento una sensación casi de cómic, regular Brian DePalma Dop Stephen H. Burum Disparo con una colección de ángulos de cámara imaginativos que evitan que la película se sienta demasiado pesada. Douglas y Turner, dos talentos cuyas habilidades cómicas están algo subestimadas, ambos son geniales también, cada uno desempeñando papeles no muy diferentes a los que habían tomado antes: Oliver no está a un mundo de distancia de los yuppies gekko que Douglas hizo su nombre. en, Barbara casi podría ser un Matty mayor de 'Calor corporal. ”Y quizás lo más impresionante, la película tiene el coraje de sus convicciones; Dejando a un lado el dispositivo de encuadre moralizante, DeVito ve las cosas hasta su amarga y sangrienta conclusión, sin mucha redención para nadie involucrado.

'¿Quién teme a Virginia Woolf?' (1966)
Una versión cinematográfica de '¿Quién teme a Virginia Woolf?? 'Seguramente no debería haber funcionado. Una obra de teatro de tres horas, reducida a dos horas, ambientada en un solo lugar y con un lenguaje y un tema que la MPAA nunca otorgaría su Sello de aprobación. Un director primerizo sin experiencia cinematográfica. Dos estrellas Elizabeth Taylor y Richard Burton, con un matrimonio famoso y tempestuoso, ambos jugando significativamente más viejos que sus edades reales (los personajes tienen 50 años, pero Burton tenía 41 años y Taylor 34). Ah, y también en blanco y negro cada vez más de moda. Y, sin embargo, funcionó como gangbusters, recogiendo 13 nominaciones al Oscar (la única película que obtuvo un reconocimiento en cada categoría para la que era elegible), y sigue siendo un clásico perdurable en la actualidad. Edward AlbeeLa obra de teatro: sobre una pareja casada mayor, George y Martha (Taylor y Burton), que invitan a jóvenes contrapartes (George Segal y Sandy Dennis) para las bebidas nocturnas, con las cosas descendiendo rápidamente a una guerra prácticamente total: es uno de los mejores logros dramáticos del siglo XX, y Ernest Lehmann (“Norte por noroeste') Lo reduce de manera experta a una longitud más agradable sin que parezca comprometido o truncado. La dirección de Nichols (es notable pensar que solo había dirigido obras de teatro antes de esto, e incluso entonces con solo unos pocos años de experiencia) lo mantiene claustrofóbico y, sin embargo, cinematográfico, ayudado por Haskell WexlerLente gloriosa. Y las actuaciones son impecables, particularmente en los giros titánicos de Taylor (quien ganó un Oscar) y Burton; ardiente y furioso y torturado y amoroso. Cerca de 50 años después, sigue siendo un logro notable.

- Oliver Lyttelton, RP, Kevin Jagernauth, Drew Taylor, Mark Zhuravsky, Sam Chater,



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